viernes, 15 de enero de 2010

FRIZTCARRALDO



 Bueno, si hay un director de escesos en todo lo que hace, en la tenacidad y los métodos para conseguir los sueños y metas de su carrera eses es Werner Herzog, y buena prueba de ello es esta asombrosa película.
"Impresionante aventura (...) Imprescindible" (Fernando Morales: Diario El País).
Para empezar, cuando nos referimos al personaje principal de la cinta, hablamos de un megalómano de la música, que haría cualquier cosa que fuese necesaria para cumplir sus sueños. Un seguidor de la ópera casi enfermizo, que es capaz de llevar a un barco entre canal y canal, por el medio de una montaña, con todo lo que eso supone. Deforestar, contratar a un ingente número de obreros, medidas de seguridad de risa por no decir inexistentes. El argumento es demencial, pero es que el actor que le da vida es un experto en esto de la demencia, se llama Klaus Kinski. Pues en la realidad, Werner Herzog, lo hizo. Quería dotar a la película de una potencia visual real, podría haber utilizado maquetas y miniaturas como habían utilizado otros tantos genios, pero Herzog siempre ha sido un soñador en ese sentido... y arrastró el barco por el monte. No me extraña que le agradara tanto el proyecto, más si cabe después de haber visto “Aguirre, la cólera de Dios”, donde ya había tratado con la locura y las obsesiones de un hombre. El hombre que interpreta a los dos personajes, curiosamente es Klaus Kinski, por el que Herzog siempre ha sentido una relación profunda de amor-odio.



Es difícil catalogar esta relación entre director y actor, puesto que pese a sus diferencias, Kinski era un intelecto afín a Herzog, de hecho han participado en cinco películas juntos y son la mejor muestra de ambas carreras. No obstante KinsKi conoció a Herzog cuando este aun era un niño en una pensión de Munich. Quizás eran dos personas que se entendían pero no podían vivir juntas. Bién es cierto que Klaus Kinski siempre ha tenido mala fama y mala prensa, en este sentido. Era un mujeriego empedernido, (para más señas su biografía se titula “Yo necesito amor”) y un hombre de muy dudosos modales, eso sí, muy culto, uno cosa no quita la otra. En muchas ocasiones criticó a Herzog por sus idas de olla y por su forma de actuar, sobre todo en esta película, a la hora de poner la vida de mucha gente en peligro. La muestra más palpable de lo que pregonaba Kinski sobre Herzog está en sus memorias editadas precisamente en España en 1988 bajo la línea editorial “La sonrrisa vertical”. Dice cosas interesante a parte de las putas con las que se acostó, que acepta trabajos por dinero y aún así rechaza papeles de directores famosos. Rechazó trabajar con Kurosawa en “Dersu Uzula”, con Spielberg en “En busca del arca perdida” aduciendo que el guión era Fucking shit, traducido sería una puta mierda. Bueno, pues si esto os parece gordo, las mejores perlas se las dedicó a Herzog: 
“debería partirle los dientes a puñetazos","fanfarrón","apesta","me da asco","¡que lo tiren vivo a los cocodrilos!","¡Que las grandes hormigas rojas se le meen en los ojos y se le coman los huevos y las tripas de por vida!”[...]“Es un individuo miserable, se me pega como una mosca cojonera, rencoroso, envidioso, apestoso a ambición y codicia, maligno, sádico, traidor, chantajista, cobarde y un farsante de la cabeza a los pies. Su supuesto "talento" consiste únicamente en torturar criaturas indefensas y, si hace falta, matarlas de cansancio o asesinarlas. Nadie ni nada le interesa, a excepción de su penosa carrera de supuesto cineasta. Impulsado por un ansia patológica de causar sensación, provoca él mismo las más absurdas dificultades y peligros y pone en juego la seguridad e incluso la vida de otros, sólo para después poder decir que él, Herzog, ha dominado fuerzas aparentemente insuperables. Para sus películas echa mano de personas poco desarrolladas mentalmente a los que puede manejar a su antojo (¡y, supuestamente, hipnotizar!), y a los que paga un salario de hambre, eso si les paga. El resto son tullidos y abortos de todo tipo, a fin de parecer interesante. No tiene la menor idea de cómo se hace una película. Ya ni intenta darme instrucciones. Hace tiempo que ha renunciado a preguntarme si estoy dispuesto a llevar a cabo sus aburridas chorradas, ya que le tengo prohibido hablar.”



Pues, la verdad es que a simple vista no se quieren mucho, y es que Herzog siempre ha llevado un diario con múltiples anotaciones, sobre todo de las películas. Kinski siempre ha estado receloso de esas anotociones, cuanto más si son amigos desde la tierna infancia del director. Herzog, aunque comprendía a Kinski, no podía nunca controlar lo incontrolable. De esos diarios hizo partícipe a Claudia Cardinale, gran amiga de los dos y la actriz protagonista de esta cinta.
Años más tarde, después de la defunción de Kinski (1991), en 1999, Werner Herzog, estrena una película documental titulada “My best friend” (Mi mejor amigo), que en España se tituló “Mi enemigo íntimo”, Herzog, con la ayuda de Claudia Cardinale, explican la difícil relación entre el director y el actor. En ese documental hay momentos realmente duros y difíciles, donde los dos se amenazaban de muerte y otros donde eran tan amigos. Herzog cuenta que ayudó a Kinski en su biografía, con un diccionario para encontrar insultos ya que Kinski le confesó que todo el mundo sabía que se llevaban como el perro y el gato y que la única forma de vender la biografía sería hechando pestes del director. No obstante también hay momentos en que pretendía prender fuego a la casa de Kinski, pero el pastor alemán de este, lo impidió.
No sé que tiene de mítico o de verdad, lo que sé es que estes dos no se aburrían y se soportaban como podían. En el fondo Kinski, si no fuera tan tozudo y fuese de trato mas sencillo estaríamos hablando de uno de los grandes de todos los tiempos, y eso Herzog lo tenía muy presente, quizás por eso lo soportaba mejor.
Hay una anécdota impagable en esta película, y es que un jefe de uno de los pueblos indígenas, tenía unas frases en la película. Imagínaos como tenía que haber sido el comportamiento de Kinski, cuando sin entenderlo del todo, el jefe del poblado se ofreció al director para asesinar a Klaus Kinski.

 

sábado, 9 de enero de 2010

DUELO AL SOL


Bueno amigos, voy a hablar de otra película de excesos y no precisamente del presupuesto. No es que me apetezca especialmente en esta época hablar de filmes e historias rocambolescas, pero hace ya algún tiempo que no pongo ningún western.
Cuando se habla de “Duelo al sol”, normalmente se suele atribuir su factura a King Vidor, pero poca gente sabe que esto es una trola de proporciones considerables, puesto que King Vidor, fue sólo uno más de la alta terna de directores que pasaron por el proyecto. Detrás de todo esto estaba la alargada sombra de David O. Selznick, de la que ya adelanté en anteriores entradas. Este magnate de la industria hollywoodiense, era una persona de fuertes convicciones, y esto le llevaba a actuar de forma tiránica en las producciones, aunque no siempre supusiese la opción más acertada. Hay un caso bastante gráfico, lo ampliaré cuando hable de “Lo que el viento se llevó”, pero puedo adelantar que O. Selznick, en su afán por la perfección empleó tres años solamente para encontrar la pareja de protagonistas ideales. Tres años para conseguir a una terna que por lo demás eran estrellas de la época, esceptuando a la joven Vivian Leigh. Bien, el caso es que las exigencias del productor incentivaron que William Dieterle abandonase el barco nada más subirse a él. Además de él pasaron más personas, casi siempre del círculo cerrado de O. Selznick, directores artísticos de proyectos anteriores, marionetas que el productor podía manejar a su antojo. Luego llegó King Vidor, un director de peso, que podría dar un giro al proyecto, o al menos una dirección fija. Pero las contínuas intromisiones del devandito productor y la insufrible actríz protagonista (Jennifer jones, novia del productor. Hay películas que se hacen por amor al arte y otras por amor a su novia. O. Selznick quería el lucimiento de Jennifer Jones) hicieron que el proyecto llevase otros derroteros con otros sendos directores. Menos mal que Jennifer demostró su talento en la cinta y posteriormente.


Es verdad que la fima de la película la lleva King Vidor, pero yo la califico como película de productor. Como Vidor no se conformó con ser una simple marioneta, O. Selznick se conformó con que la película llevara varias facturas. Eso se nota en ciertas partes del fime, donde los actores no acaban de convencer. Lógico, yo tambíen tendría la mente en otro sitio y no sabría muy bien que hacer cuando cada día que empieza el rodaje me encuntro con un director distinto que quiere una cosa distinta, y además, el director que graba la escena no es el director con quien la habías preparado.
Sin embargo y gracias a Dios, era un gran reparto lleno de estrellas, unas consagradas como Lionel Barrymore, que el pobre ya se había quedado en silla de ruedas también en la realidad, Lilian Gish, diva del cine mudo y fetiche de David wark Griffith, anterior magnate y precursor de la técnica en el cine mudo. Joseph Cotten, que ya se había hecho un nombre trabajando con Orson Welles en Ciudadano Kane y el cuarto mandamiento. También había estrellas emergentes de la talla de Gregory Peck, y la nombrada Jennifer Jones, pero en este último caso, su brillo ha sido efímero.


Las faltas de esta película pivotan alrrededor de los cambios bruscos de ánimo de los protagonistas, y de situaciones que en determinado contexto no tienen una réplica emocional adecuada, fruto del devenir del proyecto. Pero hay más, esta forma barroca de comportamiento, este tormento que sufren los protagonistas ya estaba implícito en el guión original, y se usó por usar una fotografía recargada, con colores muy dominantes que hagan aflorar los sentimientos más recargados. El problema viene cuando a los sucesivos directores no tienen la oportunidad de cambiar el negativo con el que se rueda la película, con lo que siguieron más o menos la misma línea hecha pro “O.Selznick”.
Para dar una idea más apropiada de David O. Selznick, basta con decir que este era un proyecto anterior que tení la RKO, sólo les faltaba una actríz de rasgos hispanos para acometer el papel de Perla, así que la RKO, le pidió al productor a Jennifer Jones. O Selznick leyó el guión y se hizo con los derechos de la película para manejarla a su antojo. El hecho de que un productor solamente le disputara un proyecto con una productora entera, o se lo comprara, me da igual, solo por complacer a su novia, os da una idea de la influencia que ejercía este hombre en la industria.


viernes, 8 de enero de 2010

BLADE RUNNER



Thriller futurista de carácter negro inspirado en el libro: Do androids dream of electric sheep?. (Sueñan los androides con ovejas eléctricas?. La película narra un mundo hipotético donde se fabrican androides con el objetivo de ayudar en las tareas y los trabajos que requieren de una extremada fuerza física. Se les dota de chips emocionales con implantes que substituyen a los recuerdos. Esto consigue que cada androide tenga una vida más o menos independiente y funcione según los patrones de conducta humanos.
La película se estrenó en 1982 y pasó desapercibida entre crítica y público. Es gracioso, porque hoy nadie se cree que pudiese ocurrir eso, ya que se tinta a blade runner como una de las más grandes de la hitoria del cine. Marcó una línea en los 80 que otros continuaron posteriormente, incluso en el terreno de la ciencia ficción fue un punto de inflexión  muy parecido al que pudo tener en su época 2001 de Kubrick o Metrópolis de Frizt Lang.
Fue precursora en muchos campos como el diseño de producción, crea un estilo propio mezcla entre lo futurista y la novela negra, mezcla de grandes neones y alcantarillas humeantes, entre prodigiosos avances tecnológicos y arquitectura derruida y vetusta. Marcarán una pauta que hasta hoy en día se sigue emulando, el claro ejemplo de Matrix.

Es una película más sesuda y difícil de lo que parece a simple vista, me explico: Es una de estas películas que yo califico que tiena varias capas superpuestas una encima de otra, y a medida que se van destapando en todo su significado se va gozando más y más de ella. Esta película es para ver una y otra vez, porque si bien es cierto que con una visualización quedas fascinado, no se es capaz de estrapolar toda la información y matices que se pretenden transmitir. Por poner un ejemplo, el conflicto entre la Warner y Ridley Scott, sus diferencias hicieron que muchas veces Ridley Scott se volviese atrás en decisiones que consideraba fundamentales para la película y que a la postre han cambiado el conjunto de la película definitivamente, sin posibilidad de cambiar en el Director´s cut. Me refiero a que el personaje de Sean Young y el de Daryl Hannah, en la novela de Philip K. Dick eran el mismo prototipo de replicante, con lo cual iba a tener que matar a alguien que tiene el mismo aspecto que la persona que amaba, algo que resultaba a ojos de Warner un poco canallesco y desagradable. (En la visión global volveremos a este detalle). Ridley Scott tenía que lidiar con todo esto, el futuro le brindó una oportunidad de oro y diez años después, se le ofreció montar la versión del director. En 1982, cuando se estrenó Blade runner, fue un fracaso de crítica y público, las ganancias fueron pauperrimas y por tanto el futuro para la cinta era descorazonador, cuatro años más tarde, con la aparición del master en VHS comenzó a frecuentar los videoclubs y empezó a forjarse cierta fama, era una de las películas más alquiladas, era ya un hecho, Blade runner caló entre la gente. No creo que la mayoría de la gente que la alquilaba admirase la cinta por lo que hoy se ve en ella.
Fuera lo que fuese, comenzó a reactivarse su interés y como el metraje ya estaba hecho y la inversión ya estaba gastada, la Warner ofreció sacar en cines una versión del director con el fin de rentabilizar lo que no se había podido hacer antes.


ADVERTENCIA: SPOILER
LOS QUE NO HABEIS VISTO LA PELI ABSTENEOS DE SEGUIR LEYENDO, OS LO DIGO POR VUESTRO BIEN YA QUE LUEGO QUEDAIS INFLUENCIADOS A LA HORA DE VER LA PELÍCULA POR PRIMERA VEZ, Y ESO ES UNA TORPEZA PARA VUESTRO DISFRUTE.
En esta nueva versión que no se apreciaban antes y que de algún modo le confieren una nueva visión a la película, porque... ¿quien de vosotros no pensó alguna vez que el personaje de Dekard (Harrison Ford) pudiese ser un replicante?. Os voy a dar una repuesta verdadera y rotunda, en la novela de Philip K. Dick, no lo es. Se que alguno podía tener esa tentación de pensar que... como las cosas quedan muy abiertas en la película de Scott, no hay nada que lo desmienta, etc... Siempre queda la corazonada de que Scott lo dejara entrever. Pues bien, la verdad es que no sólo lo deja entrever si no que además lo afirma rotundamente. Dekard es un replicante. Y en esto, Scott se desmarca de la novela. Y  cuando tuvo la oportunidad de demostrarlo, en la versión de 1992, así lo hizo. Harrison Ford, en la primera versión no era un manojo de expresividad, incluson se notaba un cierto distanciamiento del personaje de Dekard, Ford no era el Indiana Jones, ni el Han Solo al que nos tenía acostumbrado. En esta cinta siempre había algo que no terminaba por hacer accesible al personaje, como si no nos pudieramos identificar con él. En un principio y en la época del primer montaje se podía achacar a que el personaje era del corte de detective del género negro, duro, arisco, directo, canalla en alguna ocasión, oportunista... y una larga lista de aptitudes características del género. Pero en la versión del director no queda ningún género de duda, puesto que Scott, suprimió la voz en off de la narración para que así Dekard estuviese más distanciado e incluso sin justificación nos parezca más  canallesco, porque en realidad Scott quería dotarlo de esa mente fria, el mejor blade runner era aquel que podía pensar como un replicante, un replicante al servicio de los humanos. Por supuesto, este mensaje quedó oculto en el montaje comercial, pero en el montaje del director sale a relucir, además de una manera sutil.


Vereis, hay una escena que canta en la nueva versión, y es la de la ensoñación del unicornio. Una escena que aislada puede parecer estúpida añadirla si antes no estaba, pero es la clave de la película en cuanto a su significado, y esta escena estaba ya rodada, por eso se pudo incluir. Hay una escena en la que Gaff (Edward James Olmos), el policía que está siempre sobre la pista de Dekard, que deja un unicornio en el piso de Sean Young, la replicante de la que se enamora Harrison Ford, y claro, sin la referencia de la ensoñación no tiene mucho significado, pero ahora sabemos que Gaff tiene acceso al espediente de Dekard y sus implantes de memoria, sus sueños y todos sus recuerdos, por lo tanto es un replicante aunque nunca se le comunicase. Además, si Dekard es policia y mantiene una relación con el comisario, a que viene esa figura de Gaff, quizás la de un gran hermano que tiene que velar para que Ford no se entere de su verdadera identidad, que no se aliase con Ruther Hauer (Roy Batty - Nexus 6). Por otra parte, también es cierto que en una de las escenas del final, cuando Harrison Ford está pendiendo de una barandilla del edificio y Roy lo levanta en el aire para decirle una frase: “Es toda una experiencia vivir con miedo, ¿verdad? Es lo que significa ser esclavo”. Con esto Roy le perdona la vida y lo acepta como uno de los suyos, como hermano se sangre, o mejor dicho de circuitos. También en esos últimos momentos Roy reconoce el valor y la belleza de la vida: “Yo he visto cosas que vosotros no creerías. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos estos momentos se perderán como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”. Un monólogo brillante escrito por el mismo actor, pero que encajó muy bien. Por eso la gente pensaba que el replicante había encontrado el sentido y la belleza que encerraba la vida para él y era incapaz de quitarle la vida a Deckard, y puede ser una idea análoga, con lo que digo que es otra capa que hay que separar.
La idea de que Roy Batty debería ser un rubio poderoso y arrogante, parte de la idea de superhombre de Nietzche, en la que se aborda la visión de la superidad de la raza aria, y la de que el hombre mata a Dios. De hecho, el que Nexus 6 matase al creador es contradictorio porque la muerte de Dios viene dada porque el hombre es capaz de infundir vida, y una vida que ya no es tan artificial, si no que viene dotada de sentimientos, cada individuo a partir de unos recuerdos va reconstruyendo su vida. Roy Batty acaba con el creador ya que considera que el ser manipulado por el dueño de la Tyrrel, no es tener vida, si no ser esclavo.
Una película como la copa de un pino....¿Preparado a separar capas?

RENOVACIÓN 2.0

Después de poco más de un año de funcionamiento del blog, creo que se puede apreciar la mejora de los post, en cuanto a extensión y calidad. En noviembre del 2008 daba comienzo esta andadura, y por aquel entonces realicé unos post bastante sencillos para que la gente no se perdiese, o le pareciese esto un club privado. Los que habeis seguido este blog espero que vieseis mucho cine en el tiempo que os permitiese vuestras obligaciones. Ahora voy a ir repasando periodicamente el blog y actualizando las primeras entradas, que muestran poca chicha. Empezaré por Blade Runner, que fue la primera que colgúe y una  de las película sque me marcó. De hecho también cambié la cara del blog y la mimeticé con la película como símbolo.

MUCHAS GRACIAS POR VUESTRO TIEMPO.

martes, 5 de enero de 2010

PELÍCULAS INTERESANTES DEL 2009

Ahora que empieza otro año, hago una recopilación de todo lo que he visto en 2009 y ha valido la pena. Es una lista personal, con lo que se pueden aportar cosas. No voy a poner películas que no he visto. Yo creo que estas 10 las he encontrado interesantes. Hay más, pero por ejemplo no pongo Avatar, porque si no es en el cine, no merece la pena. Avatar, más que verla, hay que experimentarla en 3D.

Déjame entrar – Tomas Alfredson




Gran Torino – Clint Eastwood




Still walking – Hirokazu Koreeda (Puede parecer raro que la ponga en 2009 cuando es de 2008, pero es que en nuestro país)





El luchador – Darren Aronofsky




Slumdog millionaire – Danny Boyle




Mi nombre es Harvey Milk – Gus Van Sant




El secreto de sus ojos – Juan José Campanella




Séraphine – Martín Provost




En tierra hostil - Kathryn Bigelow (Ya estrenada en otros paises, en España se plantean estrenarla ahora, en el transcurso del mes de enero)




Moon – Duncan Jones


sábado, 2 de enero de 2010

PERROS DE PAJA



Esta cinta protagonizada por Dustin Hoffman y Susan George traza su argumento en una pequeña aldea británica, donde no falta el cacique de turno y el atontado del pueblo. Ella se ha criado en el pueblo y vuelve después de un tiempo. Él, moreno y miope, por estar tanto tiempo machacando las matemáticas, sobre todo de noche. Se trata de un académico que viene buscando la tranquilidad que la aldea le podía ofrecer. Para más casualidad, huye de la ola de violencia estudiantil que asoló los estados unidos a finales de los sesenta. Ella, rubia despanpanante, se sabe el blanco de las miradas de todo el pueblo. Pero no las evita, sino que todo lo contrario, pues le gusta sentirse observada por sus propios paisanos.
Mientras el hombre se dejaba la mente y los ojos en las fórmulas matemáticas, ella aprovechaba cualquiera situación para enseñar las prenditas y vestidos ajustados, incluso en una ocasión se olvidó de cerrar la cortina de la ducha. Un día aprovechando que Dustin Hoffman salía a cazar patos, ella le abre las puertas a unos lugareños que entran con la fija idea de violarla, al principio, ella se defiende con uñas y dientes, pero parece finalizar con gemidos de gusto, justo antes de que aparezca un lugareño con una escopeta, los coga con las manos en la masa y se una a la barbarie de manera vejatoria.
Perros de paja ha tenido que solventar varios problemas para su estreno, como fue el codigo Hays (Un baremo yanquie de violencia en el cine que proviene de los años veinte, los estdudios lo seguían a raja tabla incluso en los años 70), pero la verdad es que la escena de la violación pasó la censura porque no eran imágenes explícitas, sin embargo, permítanme decir que aunque no se muestren, se intuyen y eso es lo que deja la sensación de violencia, por lo que algunos de los censores se deberían haber dedicado a picar piedra, porque no ven más allá de sus narices. Y después de varios debates, también se aprobaron las escenas finales, donde Dustin Hoffman da cuenta de los lugareños. El estudio se excusó aduciendo que eran esenciales para comprender la película y que al fin y al cabo, la película y toda su moraleja era un mensaje contra la violencia.

La versión cortada tiene una duración de 113 min. (es la que se estrenó en USA)
Para captar un placer enfermizo en la escena en la que Dustin Hoffman machaca hasta la muerte a un hombre tumbado en el suelo, Peckinpah pidió que pusieran cocos en el suelo para que pudiese deleitarse a golpes con ellos. En un plano de la película, podemos ver un trozo de coco volando hasta su cara, aunque el espectador crea que esos son sesos del cerebro.
En la escena  en la que Hoffman entra por primera vez en el pub, Peckinpah no estaba satisfecho con la reacción de los actores al ver cómo entra un extraño en su mundo. En una de las tomas le dijo a Hoffman que entrase sin pantalones, y así consiguió la reacción adecuada de los actores.
El rodaje estuvo a punto de suspenderse pues el director agarró una cogorza en la playa de las de no te meneés seguida de una pulmonía que tuvo que ser tratada en un hospital, al recuperarse tuvo que firmar una clausula en el contrato que especificaba que se mantendría sobrio durante el resto del rodaje.
La película estuvo cesurada en el Reino Unido durante 18 años y aún hoy en las carátulas de los videos y los dvd´s aparece escrita la frase: “censurada en el Reino Unido”.
La crítica se fijó en un primer momento en los aspectos más oscuros de la cinta, en lo que se dió en llamar los “ritos machistas”, o en palabras del propio director el “fascismo sexual”. Pero Peckinpah parecía dispuesto a confirmar las peores cosas que sus detractores decían de él, como demostró en la entrevista concedida a playboy en 1972.
El final se les ocurrió a Hoffman y al director la tarde anterior a su rodaje, esto que parece una temeridad, se saca de una entrevista que se le hizo en su momento al director.
Entrevistador: ¿Que condiciones le pusieron para rodar Perros de paja?
Sam Peckinpah: Fue un encargo, y como siempre ocurre en mis películas, con imposiciones. Me hicieron firmar que tendría final feliz. Yo elegí a Susan George para que interpretara a la esposa de Hoffman, y no le veía una salida al final feliz. Me había hundido yo mismo. Un día Dustin se acercó a mi preocupado y me dijo que no podía terminar así la película. Yo le propuse otro final y es el que tiene. El final es absolutamente desolador. David Warner, el loco del pueblo, dice: “No sé dónde está mi casa”. Hoffman le contesta: “No se preocupe, yo tampoco”.