lunes, 28 de diciembre de 2009

LOS SIETE SAMURAIS

"Película monumental, cima del genio del maestro Kurosawa, de sublime belleza plástica e inimitable potencia narrativa" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Una de las películas más célebres de Akira Kurosawa. Sí, lo sé, 3 horas y media de película, pero que importa, cuando te están contando una historia de aventuras y además nos deja unas enseñanzas tan ricas en cultura oriental, que aún hoy pueden ser provechosas para nosotros.
Para mí es una película donde se desgranan los personajes perfectamente a través de la trama. Porque todos los personajes no tienen la misma motivación para salvar a los campesinos, ni tienen los mismos valores, las mismas capacidades, la forma de ver la vida. Me impresiona como se vale de ellos para explicar la época del Japón feudal, sus costumbres, sus ideas, su contexto, sus sentimientos, etcétera.
Si nos fijamos bien, es una escuela de virtudes o de valores y vemos como todos ellos se integran en un grupo. Respeto, responsabilidad, compañerismo, humor, etcétera. Sus habilidades y personalidades son bastante diferentes, pero complementarias, están presentes desde la capacidad de liderazgo, la sabiduría del guerrero curtido en mil batallas, el descaro del joven que aspira a ser el mejor samurai de todos los tiempos y sólo sabe cortar leña, el alegre que siempre produce la unión del grupo. Si se piensa bien, no falta ni sobra una coma en esta mezcla casi perfecta.



Bien es cierto que los Ronin están hechos para la guerra, en periodos de paz se tienen que buscar las habichuelas con cualquier señor feudal o alquilar su espada para poder sobrevivir y casi siempre en algún asunto turbio al margen del código del Bushido, que era la primera directriz del samurai. Aquí, se dejan vender por una taza de arroz. Puede pensarse que una taza de arroz al día puede llegar para sobrevivir, pero el caso es que es un pago muy bajo por jugarse la vida. De esta forma, los samurais acuden al rescate de los campesinos por motivos que tiene que ver con su conciencia, ellos sienten que los conflictos no se solucionarán por si solos si los hombres buenos no hacen nada contra la codicia y el mal obrar de unos cuantos miserables, vamos, un ejercicio de crítica contra el poder tiránico ejercido por unos cuantos erigidos en dictadores (shogun, en Japón) y señores feudales encarnados en unos forajidos.
Los siete samurais añaden alguna nueva forma de utilización de la técnica en el cine. El stop motion tan presente en las películas de Tim Burton, ya lo hacía Kurosawa con imágenes reales. Era ya una técnica inventada, que fue muy útil para películas como King kong (1933), pero hasta la época era hacerlo a partir de objetos inanimados fotografiándolos frame a frame. Es una innovació importante, porque acerlera las escenas de acción y sobre todo las de luchas y combates, que en esta cinta son importantes. También existe otra innovación bastante importante, que es el uso de varias cámaras para planos similares, es decir, un panorámico, un plano medio y un primer plano. Es muy utilizado en el Manga y en el cine actual, sobre todo en el género de acción o artes marciales, como ejemplo: Kill Hill.
Como ya viene siendo natural cuando se habla de cualquier trabajo de Kurosawa, siempre hay una adaptación más actual que viene a dejar el trabajo del director Nipón en el olvido. Por desgracia, es penoso que “Los siete magníficos”, adaptación de John sturges, haga olvidar la original. Cualquiera persona que no domine algo de cine, le sonarán los siete magnificos, pero no sabrá de lo que le hablan si le nombran los siete samurais. Es una pena, y con Kurosawa no es el único caso, “Yojimbo” dio lugar a “Por un puñado de dólares”, “La fortaleza escondida” dio lugar a “Star Wars”. Inluso Pixar, a la que no le gustan las adaptaciones. Pero cuando las hace, vaya que elige bien los modelos. Lo hizo en el 98, cuando tomó prestada la premisa central de Los 7 Samurái de Kurosawa (nada menos), para armar el esqueleto de Bichos.
También es cierto que Kurosawa, cuando pensaba en sus proyectos no eran precisamente castillos que hacía en el aire, “Trono de sangre” es el Macbeth de Shakespeare en versión japonesa, y “Ran” de Kurosawa es una adaptación de “Rey Lear”.

domingo, 27 de diciembre de 2009

LADRÓN DE BICICLETAS



Ladrón de bicicletas es quizás el film más caracteristico del neorrealismo italiano. No es por opinión, si nos atenemos a los trazos básicos del movimiento, es la personificación del mismo. El neorrealismo como escuela cinematográfica propiamente dicha, nace en el periodo post segunda guerra mundial. No fue una innovación técnica o temática, fue una renovación expresiva del lenguaje y las formas, era una expresión de liberación en muchas ocasiones contra la vileza del fascismo. Fue recorriendo camino con la realidad social de la época. Vittorio de Sica pudo quitar petróleo de un argumento bastante ordinario y hasta infantil, si bien se piensa, como una historia contada a los párvulos para que aprendiesen a ir por el camino honrado, como la iglesia católica aleccionaba en la edad media, mediante imágenes representativas, pero sin más complicaciones. El argumento la verdad, no tenía ningún alarde de literatura, más bien parece que se malogra el contenido o la carga dramática y todo esto es lo que Vittorio de Sica aporta a la película. Es curioso enterarse que sin saber el resultado final, un productor de la talla de David O. Selznick, (que produjo y coprodujo “Lo que el viento se llevó”, “Rebeca”, “Duelo al sol”, “King kong”, “El tercer hombre”, entre muchas otras) Uno de los hombres más poderos del Hollywood dorado, hubiese querido invertir en esta pequeña producción italiana, de corte neorrealista. Como es lógico, puso condiciones, Gary Grant debía de ser el protagonista de la cinta, a lo que se negó rotundamente Vittorio de Sica.

Vittorio de Sica pertenece a una generación de directores que socialmente eran comprometidos con la realidad de la posguerra italiana, de hecho “Ladrón de bicicletas” empezó a rodarse poca después de que concluyera  la guerra. El neorrealismo se desarrolló en el periodo de posguerra, pero se forjó en los últimos años del conflicto y con “Ladrón de bicicletas” se consuma la consolidación y los fundamentos del movimiento. Esos fundamentos se basan en una narración desnuda de la realidad, desprovista de cualquier artificio para aquilatar el sentido dramático. La vida es la que tiene que hablar por sí sola. Los elementos técnicos deben de obedecer a una carestía que se atenga a la realidad, de ahí que la iluminación sea natural y se ruede numerosas escenas en exteriores. Los actores también se consideraban como medios técnicos para la consecución del fin, con lo que deberían de ser actores no profesionales o en su defecto, amateurs. Preferiblemente deberían de ser personas afines con el personaje que debían representar. Así es que en “Ladrón de bicicletas” el personaje de Antonio Ricci, un trabajador en paro que consigue un sencillo trabajo de fijador de carteles con engrudo es interpretado por Lamberto Maggiorani (Obrero de la fábrica Brenta). Al fin y al cabo, quien mejor que una persona de ese corte puede reflejar la desesperación de esa época y esa situación. Bien entendido es el método de Kostantin Stanislavski llevado al extremo.


sábado, 26 de diciembre de 2009

CIUDADANO KANE

¿Qué decir de esta película? Está siempre colocada en el primer puesto de todas las listas de todos los tiempos y está considerada la mejor obra cinematográfica del mundo. Mucha gente cree que está muy sobrevalorada y que no debería estar ni dentro de las diez mejores. Yo creo que sí se lo merece, a lo mejor no como la mejor, pero si entre las tres primeras. La gente ignora ciertos códigos cinéfilos para catalogar esta película, y no es que yo trate de defender a los miembros de la academia de la época, que no se enteraron de lo que tenían entre manos. La cinta que hoy en día es tan alabada, en su momento pasó desapercibida, incluso con más pena que gloria. Ganó el Oscar al mejor guión, pero es que optaba a nueve estatuillas, y solo a nueve, porque la academia es reacia a otrorgar nominaciones a gente novel o simplemente joven. Orson Welles contaba con tan sólo 26 años cuando realizó la película.
El hecho de que hayan premiado el guión a cargo de Orson Welles & Herman J. Mankiewicz es síntoma de que le ha gustado la historia y la forma de contarla, porque la verdad, la maestría de welles de accionar los resortes de las elipses cinematográficas hasta aquel entonces, hizo nacer una nueva forma de contar historias y hacer cine, no es que no se usase antes el recurso de la estructura rasgada de guión, pero con Welles funcionaba y daba a entender que podía ser un recurso rentable a la hora de introducirlo en una trama y conseguir más misterio. ¿Quien aún anda preguntándose por el significado de la palabra Rosebud? Más adelante intentaremos arrojar un poco de luz sobre esto.
Orson Welles optó al premio de director, pero sus insuficientes 26 años y que en esa edición de la gala se pegaba con la creme de Hollywood, es más esa edición es la que en términos de directores, si los unimos todos juntos, nos sale la mejor terna de toda la historia que opta al mismo premio, veanse John Ford, Howard Hawks, William Wyler y Orson Welles en una misma edición. Se me ponen los pelos de punta.
Parece una tontería, pero esta película tiene más infrahistoria de la que se cree, y no todo fue tan bonito y fácil para aquel genio incipiente como era Welles. Los estudios de la RKO, continuaban recelosos para acoger el proyecto. Así que Welles, forzó el inicio del rodaje aduciendo que necesitaba hacer unas pruebas de cámara al reparto. Comenzó a rodar varias escenas, el primer día, la secuencia de la sala de proyección, al día siguiente, la fiesta de Susan Alexander, y el 1 de Julio, cuando ya se comenzaba a rumorear lo que estaba pasando, Welles rodó el intento de suicidio de Susan. Los dirigentes de la RKO reconocieron que el material era bueno, y aprobaron el proyecto haciendo un ejercicio de fe.



Hay quien dice que Ciudadano Kane es un compendio de adelantos técnicos y de estilo sin más, que no aportan emociones y que por eso la película se muestra fría. Yo entiendo que se pueda decir eso, porque no todos sabemos de fotografía y a veces no valoramos en todo su conjunto la aportación de los avances técnicos a la cinta. Pero amigos, eso es lo genial. Parte de la técnica nos cuenta la historia de otra forma, de tal manera que si no eres un erudito en el campo de la técnica no acabas de ver como transforma la historia, sólo te queda la sensación de haber visto una historia contada de una forma rara, que tiene su misterio y encanto, pero nada más.
Estoy seguro de que si veis otra vez la película con estas claves que os voy a dar, cambia un poco la persepectiva de lo que estais viendo.
• Para empezar, rompe conscientemente con la tradición hollywoodiense, cuestionando el principio, tacitamente aceptado en la época, según el cual el estilo debe desaparecer ante la historia que hay que contar. Por el contrario, las elecciones estilísticas en “Ciudadano kane” se transforman de manera crucial a la hora de contar la historia de Charles Foster Kane.
• Welles quiso conseguir mayor profundidad de campo, para enfocar más planos y ver acciones globales dentro del encuadre, no como la tónica del tiempo que enfocaba al artista principal y el fondo se diluía.




• Para conseguir mayor profundidad de campo, (ahora viene lo escabroso, aquello que si no sabes de fotografía, te vas a perder fijo, lo intentaré explicar en pocas palabras y claro) tienes que cerrar el diafragma lo máximo posible (el diafragma es un dispositivos de cortinillas metálicas que se solapan entre sí y de manera circular, su objetivo es cerrar y concentrar los rayos de luz que entran en la cámara. Para que os hagais una idea, aparece al principio en todas las películas de 007) de tal forma que una abertura pequeña permita que todos los haces de luz confluyan en el mismo plano de la película, con lo que consigues mayor enfoque. Todo eso ayuda a poder trabajar varios planos espaciales y la acción de la narración se enrriquece con detalles que antes pasaban desapercibidos.
• Para este propósito, Toland, el director de fotografía de la película, decide utilizar un objetivo de 24 m.m., que pueden obtener màs luz y permíte obtener imágenes definidas a partír de 55 cm. Hasta el infinito. Estas lentes alargan la imagen en el negativo a lo ancho y a lo alto, porque son capaces de coger más imagen, para que lo comprendais, son lo contrario a los teles o los zooms, que acercan la imagen. Aquí de lo que se trata es de coger más “paisaje”, encuadre. Con lo que hay que incorporar los techos y demás cosas que provocan un nueva concepción de los espacios y los emplazamientos de las cámaras. Esto se usa para dar más dramatismo a escenas donde el techo se vien encima, donde el ambiente es opresivo. Por eso se dice que la técnica está al servicio de la historia y el guión.
• Por otra parte usando el gran angular (17 – 24mm), agrandaba y magnificaba la presencia en pantalla si el sujeto se colocaba lo suficientemente cerca. Esto se aprobecha en la historia. Hay una escena en la redacción del periódico que se quiere magnificar la aptitud de soberbia de Kane y su obsesión. Welles ordena construir un hoyo para la cámara, quería grabar un plano contrapicado, desde abajo, engrandando y haciendo terrible la figura de Welles. La sensación de grandeza del sujeto magnifica la sensación de soberbia, con lo cual con la técnica están potenciando la historia y los sentimientos sin que nos demos cuenta.

Estas son algunas innovaciones técnicas que revolucionaron el séptimo arte y ayudaron a Ciudadano Kane a convertirse en una leyenda que incluso con el paso del tiempo, no ha perdido su vigencia, si se tienen ciertos detalles en cuenta como los que aquí se han mencionado. En este 2010 la película complirá 70 años. Para ser honestos y humildes hay que reconocer que pasado todo este tiempo, los críticos de cine siguen valorndola de esta forama, por algo será.
 
Que sí, tiene sentimientos, incluso más de los que se cree la gente. Puedo poner un ejemplo claro y así despejo alguna incógnita sobre la palabra “Rosebud”. Rosebud, es la última palabra que pronuncia Charles Foster Kane en su lecho de muerte, en esa enorme mansión de Xanadú. Rosebud era el nombre del trineo que tenía cuando era pequeño, y es una alusión a su juventud, la única época donde fue feliz. Nota que buscando otras cosas, la felicidad se fue escapando entre sus dedos. Es una historia muy humana, sobre todo en su moraleja: “Érase una vez un hombre tan pobre, tan pobre, que solo tenía dinero...”


martes, 22 de diciembre de 2009

LOS PÁJAROS


"Arrebatadora obra, una de las narraciones más complejas y revulsivas del cineasta más perverso de la historia" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
"Maravillosa cinta, uno de los filmes más surrealistas y personales del maestro" (Fernando Morales: Diario El País)
Después de “Psicosis”, Alfred Hitchcock se encontró en una encrucijada difícil de resolver. La película había sido un éxito y era difícil decidirse por otro proyecto que aportase nuevo material para complacer las espectativas del público. Finalmente se decidió por los pájaros, historia de Daphne su Maurier. Rebeca también es fruto de la adaptación de esta novelista francesa.
La historia no era merecedora de llevar a la gran pantalla, o al menos eso pensaba Hitchcock en un principio, o al menos, cuando se hizo con sus derechos. Los derechos eran para la telivisión, era el argumento de uno de los programas de suspense de Hitchcock. El director se entera por aquel entonces de varios ataques reales de pájaros en alguna población. No sé si entonces querían emular a Welles con aquello de la guerra de los mundos, creando magazines donde la gente escuchaba por la radio las noticias y casos más inverosímiles, una cosa así como los fenómenos del circo. Pero la verdad es que llegó esta historia a oidos del tío Alfred y comenzó a maquinar una nueva historia que acabó por cincelar en el cine.
Se valió de su amigo y guionista Evan Hunter, confeccionó un guión de enormes posibilidades pero completamente nuevo. Me explico, era un guión bastante complicado para la época, pues se necesitava hacer apuntes gráficos para los efectos especiales. Las tomas eran complejas y Hitchcock debía de estar completamente seguro de lo que se grababa, pues ni el mismo estaba acostumbrado a esa nueva generación de efectos. De hecho la película pasó bastante tiempo en la mesa de postproducción de la universal pictures. Si a esto le añadimos los enormes problemas técnicos con los que se encontraban... (Cuenta la anécdota, que en la película había pájaros de verdad, otros de pega y otros amaestrados como lo fue la gaviota charlie, a la que hubo que atar el pico con alambre, porque antes de rodar, asustada, se marchó playa através y picando a la gente. Es que Hitchcock infunde mucho miedo.

La banda sonora también es un hito en la innovación, puesto que el director optó por refrenar la aparición de música de fondo transformándola por los sonidos de ciertos pájaros. Los profesionales que rodean a Hitchcock rayan a gran altura, incluso para ser era pre-digital, mucho, pero que mucho antes que la era del (CGI) (Computer Generator Images) la calidad es soberbia.
Para hacernos una idea, para la época la película obstenta 370 tomas trucadas, requirió unos tres años de preparación . Se elaboró 32 tomas de la última escena, que luego se montaron con un minucioso trabajo de edición. Yo creo que es un signo bastante representativo del talento de Alfred Hitchcock.
El ritmo de la película es un increschendo contínuo que no cesa y además parte de no sa sabe muy bien que punto, porque la causa de los ataques no está justificada en un principio. Hay quien achaca la malévola idea de que quien turba la placided del lugar es una mujer. Siempre estará implicita la sombra de la misoginia que Hitchocock ejercía sobre todas sus mujeres (entiendase mujeres, como modelo de mujer que trabaja con... Como puede ser aquí en España chico o chica Almodovar), vamos pieza de fetichismo. Hay gente que piensa que hitchcock obró con un cierta saña, más que nada, porque al principio de la película usa maliciosamente la ironía, cuando los protagonistas se encuentran con el pretesto de los “lovebirds” pajaritos del amor, mal traducido al castellano por periquitos. El hecho de que las insinuación de la mujer la paga cara.


sábado, 5 de diciembre de 2009

AMADEUS

Amadeus es una cinta imprescindible, grandiosa a la hora de retratar la esencia humana, por muy difícil que nos resulte aceptar sin no cierta desazón, nuestros defectos. Una verdad que no se puede discutir, es que en mayor o menor medida, veneramos a Mozart, admiramos al genio, no a la persona. No menos cierto es que aunque reconozcamos la valía y las dotes para la música que tenía Mozart, en lo más profundo de nuestra mente, allí escondida, para que nadie la reconozca, se encuentra la envidia que sentimos por él, por tener su arte y su destreza para la música. Así hoy, nosotros envidiamos las riquezas de Hill Gates, los conocimentes de física de Hawkin, el físico de Brad Pitt, o la bondad de la madre Teresa de Calcuta.
La envidia que corrroía a Salieri, el músico de cámara del rey, cuando llega Mozart a la corte. Salieri ya adivinaba en la más párvula infancia del genio unas dotes portentosas y naturales para la música. Se pasaba horas y horas preguntándose como Dios había depositado tal gracia en un ser tan inmoral como aquel, tan falto de modos y formas, tan superficial, y por encima de todo, al que aparentemente le importaba la música tres pimientos, prefería perseguir y jugar con las cortesanas.
A ojos de Salieri, Mozart parecía un completo estúpido infantiloide de sonrrisa idiota y afeminada, dato que no tiene porqué tener rigor histórico pero sirve de pretesto al director (Milos Forman) para justificar el odio visceral que obstenta Salieri de cara a la persona de Amadeus. Este odio se explica en dos escenas que creo muy representativas:

1ª – Mozart está moribundo y hace llamar a Salieri para recitarle su réquiem antes de perecer. Cuando Salieri se lo encuentra en la cama con fiebres y sudor, decide ayudarlo a escribir el réquiem, pero no da credito a lo que oye. No es capaz de creer aunque lo estea viendo. Mozart en ese estado dicta las notas casi como improvisando, en cambio cuando salieri las anota y se hace la composición en la cabeza todo tiene sentido y es mucho mejor de lo que el hubiera compuesto nunca. Entonces se produce una mezcla de admiración con un odio profundo por pensar que ni siquiera una vida de música le podía llegar a la suela del zapato a una especie de pseudodivinidad de la música como aquel joven estúpido y superficial.

2ª – Cuando Salieri se confiesa y toca unos cuantos minutos para el sacerdote de su música y este no puede reconocerla, en cambio toca cuatro o cinco notas de la música de Mozart y el cura empieza a tararear sin saber de quien es. El sacerdote felicita a Saliere por pensar que esa música que reconocía y era muy hermosa, pertenecía al repertorio del italiano, pero Salieri le confiesa amargamente que es propiedad de Mozart. Confiesa el pecado de la envidia y su impotencia para no poder dejar de odiar al otro músico.
Hay una frase que dice el personaje de Murray, que por el contexto de la película y de que al fin y la cabo, los genios se cuentan raras veces entre nosotros: “Mediocres del mundo… Yo os absuelvo” parafraseando el lenguaje del sacramento de la reconciliación.



Uno de los grandes aciertos de esta película, aparte de deformar la realidad histórica, para eso es una obra de arte, es que el biopic sobre la vida de Mozart, no resulte moralizante o ejemplarizante, como las composiciones de versos alejandrinos que normalmente se escribían en el mester de clerecía, que por otra banda es el cariz que coge un biopic hoy en día, caída a los infiernos y redención.
También es otro acierto el cambiar el personaje principal de la trama y mostrar a Mozart de soslayo, así nosotros también somos Salieri y nos identificamos con sus sentimientos, tanto reconocemos la admiración en nosotros como los malos sentimientos.
El duelo interpretativo de Murray con Tom Hulce es maravilloso, es una pena que un oscar no se pueda dividir, pero el hecho de realizar una recreación de Mozart tan arriesgada como esa, donde prácticamente se ridiculiza al personaje, se hace una caricatura del mismo, y aún así, sale el actor reforzado, para mí es un signo de admiración. No digo nada de Murray que está impecable y por eso le concedieron el oscar merecidamente. En la ceremonia de 1984 la película consiguió 8 estatuillas.
Esta película es de mis preferidas, porque la envidia es algo que generalmente podemos sentir todos, por lo que se disfruta viendo las disquisiciones de Salieri, la trama de su conspiración. La puesta en escena es impecable, esta grabada integramente en Paraga y Viena. El régimen político de Checoslovaquia (por aquel entoces 1983, ahora están separadas), causó que la ciudad quedase como en la época de Amadeus (siglo XVIII), esto permitió que con un ligero toque de remodelación de las calles, conseguir un efecto de realismo impresionante. Las escenas de teatro son grabadas integramente en el teatro de la ciudad de Praga, que es impresionante, todo de madera. De hecho, en cada día de rodaje, había una legión de bomberos de la ciudad por si se producía algúna desgracia.
Un día Peter Shaffer (Equus), el creador de la obra para teatro y guionista de la película, se emocionó tanto que rompió a llorar en un rincón, porque ese era el teatro donde justamente Mozart había estrenado 200 años atrás su Don Giovanni.
Hay una anécdota propia de la época y las circunstancias bastante graciosa. F. Murray Abraham compartía habitación con uno de los miembros del equipo, y este último pensaba que los comunistas habían puesto un micro en la habitación. Después de unos cuantos minutos de búsqueda, debajo de la alfombra encontraron una placa metálica que se dispusieron a desatornillar con un cuchillo. Cuando el último tornillo cedió, se oyó un estruendo en el piso de abajo, se habían cargado una lámpara de araña de swarovski en la suite del piso interior, antes de que nadie comenzara con las pesquisas, disimularon bajando como rayos al comedor. Hay obsesiones que nos pierden, eso también se plasma en la película.
Una de las anécdotas más sonadas, es que en el cuatro de julio de 1983, cuando se disponían a grabar en el teatro escenas de música, en vez de sonar la propia, los músicos se conjuraron para tocar el himno estado unidense. Sólo fue una nota de color con la que acabo la entrada.



http://www.youtube.com/watch?v=gQNdge41DGY

martes, 1 de diciembre de 2009

AMERICAN HISTORY X



Es una película sorprendente, con un efecto perturbador de gran calado. Sirve para conocer el fenómeno neonazi, sus fundamentos y sus fuentes históricas. Se centra en los perjuicios del odio racial y sus consecuencias. Toda en ella supone un alegato a la no violencia, sobre todo a esa sin razón provocada por las susceptibilidades del carné de identidad.
La factura de Tony Kaye es perfecta en su mensaje y sus formas a pesar de haber abusado de una vía fabulesca para descubrirnos la moraleja de la misma. En conciencia, eso es exactamente lo que rebaja el resultado final de la película tanto en cuanto estamos hablando de una crítica puramente cinéfila, sin ninguna connotación aparte del hecho de que didácticamente es una película recomendable al 100%. La presentación es honesta, de las más honestas que he visto. Una realidad marginal, pero que existe y todo el que entra en esta espiral se consumen por el odio. Refleja la presión social del entorno y la cerrazón a unas ideas obsoletas y nada beneficiosas para las personas. Las imágenes son impactantes y los diálogos cortan el aliento.
 Los actores son fenomenales, sobre todo Norton, que gracias a esta película comenzó a aparecer en todas las quinielas y ha supuesto para él un trampolín inmejorable. También es cierto que la actuación del propio Norton dota de muchos quilates a la cinta. Su implicación fue máxima, consiguió ganar 15 kilos de músculo para adoptar la figura apolínea del protagonista. Su ilusión y deseo de que el proyecto saliese adelante le llevó a hacer su propio montaje de la cinta porque consideraba que el director se dilataba en el tiempo.
La relación entre Norton y Kaye, no fue de las mejores que digamos. Para empezar, Kaye no quería a Eduard para el papel, fue una imposición de los productores.(dicho sea de paso que, en ningún otro caso vi un acierto tal de los productores en detrimento del craso error del director)


Norton expuso una serie de condiciones casi inaceptables en las que él se hacía el protagonista de la cinta en lugar de su hermano pequeño, que en un principio se pensaba el protagonista. Al final logró que la trama de la película pivotase sobre él. Otro gran acierto del actor por el cual la película gana más cuerpo y sentido, nadie habría entendido esas posturas radicales en un chaval tan joven como el hermano. Norton 2 – Tony Kaye 0. Kaye lo pasó fatal y decidió en señal de protesta, cuando se enteró de que Norton pensaba hacer un montaje alternativo, firmar con un pseudónimo, pero el sindicato de directores no se lo permitió.
El director se valió de un rabino, un sacerdote católico y un monje budista para que opinaran sobre el montaje, por si tuviera que cambiar algo.
El personaje de Seth, el amigo gordo de Derek, lleva tatuado el emblema de un grupo llamado Anti-heroe, que no es nazi, y que posteriormente denunció la película.
El mismo personaje, llevaba una camiseta con el número 88, que es una especie de codigo nazi “HH”, “Heil Hitler”, la h viene siendo la octava letra del abecedario y son 88 los preceptos por los que tenían que regirse estas gentes. Podéis quitar conclusiones, pocas cosas quedan al azar.
El personaje de Cámeron Alexander tiene raices en la realidad. Está basado en la vida de un extremista, líder de una facción neonazi en el sur de California, su nombre es Tom Metzger.
Marlon Brando rechazó el papel de Cámeron Alexander
La cafetería donde desayunan los protagonistas, curiosamente sólo se abrió para la filmación de la película.
La cita con la que concluye la película y que pronuncia Danny, es del discurso inaugural de Abraham Lincoln en 1861.
Hay películas que se saborean y disfrutan justo después de verlas, y eso no está mal, pero que nada mal. Por lo que a mí respecta esta película es algo más. Se disfruta en el mismo instante que momentos geniales de la cinta permeabilizan zonas profundas de nuestro ser, y las llevamos como segunda piel que recubre el corazón.


URL:  http://www.youtube.com/watch?v=iwTXCSsW1hk