lunes, 31 de agosto de 2009

LOS MEJORES DIRECTORES_PARTE_1



KUBRICK, EL GRAN ANGULAR DEL CINE
Hago esta comparación de Kubrick con el mundo de la fotografía, porque quizás es el mundo que le interesó siempre, incluso me atrevería a decir que más que el cine.
Stanley Kubrick nació un 26 de junio de 1928, en periodo de entreguerras, y esto va a dejar una profunda huella en la personalidad del genio ya que su carrera está impregnada de referencias a periodos y contenido bélico.
Stanley Kubrick desarrolla sus primeros años en una zona del bronx que solía estar frecuentada por judíos de clase media। Era hijo de unos emigrantes austriacos, su padre era médico hosteópata, con lo que tampoco ha tenido una infancia con muchos apuros. Desde muy pequeño el padre lo orientaba en su formación , incluso le enseño a jugar al ajedrez a su hijo, otra de las pasiones del joven Stanley, que desarrollaría a lo largo de toda la vida. El padre, contemplaba con cierta desazón que el hijo, pese a mostrar evidentes muestras de una inteligencia y un tesón desorbitados cuando se lo proponía, no alcanzaba el nivel académico adecuado. Mandan a Stanley a estudiar a Pasadena con un tío, que era hombre importante de negocios. El resultado fue prácticamente nulo y regresó al cabo de un año a Nueva York, para entonces la familia se había mudado a un piso lujoso en el mismo bronx.
Ya con catorce años, Kubrick asistía al instituto Taft, y este fue el punto de inflexión en la vida de Kubrick. Su padre le había regalado una cámara fotográfica, no sé si porque la había pedido él o porque fue algo nuevo y novedoso, se engancho de una manera terrible a esta nueva afición. Luego parece que los astros se fueron aliniando. Me explico, en el instituto Taft se elaboraba una revista propia donde Kubrick fue dando sus primeros pasos como reportero gráfico. Se va granjeando amistades que posteriormente serán colaboradores suyos, es bueno rodearte de gente de confiaza y Kubrick sabía esto aunque en esta época, no creo que supiese con certeza que acabaría dedicandose al cine. En la vida de los genios, nunca nada es lo que parece y el destino da mil vueltas antes de asentarse. Pero para Kubrick había llegado la hora de descubrir su verdadera vocación, hacer arte con las imágenes.
Con tan sólo 17 años vende su primera fotografía a la revista “Look”, por 25 dólares. La foto es de una tremenda calidad, expresiva e informativa que es justo lo que se pide en fotoperiodismo. Se trata de un retrato de un viejo kioskero con aire abatido con el titular sobreimpresionado en la portada del periódico haciendose eco de la muerte de Roosevelt, con lo que es contratado para trabajar como aprendíz de fotografía. Pasa en la revista cinco años y se casa con su primera mujer, Toba Metz, su novia de toda la vida, al menos de su juventud.
En esa etapa de la revista hace un reportaje fotográfico de un boxeador, Walter Cartier. Poco tiempo más tarde y con la ayuda de Alex Singer, realiza un corto documental sobre la vida del boxeador, titulado “Day of the fight” (Día de lucha) y lo vende a la RKO. Kubrick deja su trabajo en la revista y se embarca en la escritura de un guión que a la postre será su primer largo, “Fear and desire”(Miedo y deseo). En principio tiene problemas para la financianción de la película y es ayudado por su padre y su tío rico de Pasadena, ahora entendeis porqué antes he mencionado a su tío, ese año en California, a la postre iba a ser muy fructífero en la vida de Kubrick.
Comienza a grabar fear and desire con un presupuesto irrisorio, con una cámara, unos esteriores y unos actores desconocidos, alguno semiprofesional. Fear and desire, contiene unos giños indiscutibles con el cine-arte de Kurosawa, Ophuls, Buñuel, Welles, Einsestein, etcétera. Mezcló esos claros tintes con la forma americana de hacer cine. Cosa que harían en la época de los 70, toda esa nueva generación de cineastas de la american zoetrope (Martin Scorsese, Francis F. Coppola, George Lucas) Rara casualidad, de que todos fuesen fervientes admiradores de Kurosawa, como yo, claro está. Bromas aparte, esta primera película era bastante alegórica y poética para la gente, así que Kubrick, muy a su pesar la retiró de la circulación poco tiempo después considerandola un estorbo.
Ya aquí, en su primer largometraje, Kubrick da muestras de lo que pretende que sea su cine, algo más espiritual y profundo, en el que la dimensión psicológica será examinada al máximo y puesta en entredicho।
Comienza a rodar su segunda película “killer´s kiss” (El beso del asesino), eso sí, con un presupuesto considerablemente más abultado que en su ópera prima. En esta época, se nota que Kubrik está aprendiendo e improvisando sobre la marcha, porque hay ciertos aspectos de la película que no quedan muy bien hilados, y no es porque lo critique en Kubrick, si no que él, Siempre ha sido una persona que en lo que concierne al cine, ha querido hilar muy fino y no dejar cosas al azar. ¿Os imaginais 2001 hecha al azar y sin ninguna intención?, claro, desde mi punto de vista parece ridículo.
Comenzamos a asistir en este film, al destape del genio fotográfico de Kubrick। Su obsesión enfermiza por la imagen le lleva a innovar nuevos ángulos, planos, y utiliza la técinica como medio de narración. El ambiente claustrofóbico de los pisos y edificios, es devido al uso del gran angular, que deforma y exagera los rasgos en los extremos del fotograma, pero que por la contra engrandeze al sujeto, y esos edificios parecen comerse la cámara, dan una cierta sensación de desasosiego. Todo esto unido a una cuidada iluminación que daba unos contrastes en blanco y negro geniales, generaban un ambiente perturbador. Y creo que ese es el apunte con el que me quedo de la cinta, el que está aprendiendo pero ya se vislumbra la enorme capacidad perturbadora y generadora de atmósferas increíbles. Nadie nace aprendido, pero en la carrera de Stanley Kubrick el periodo de pruebas, fue muy pequeño, porque enseguida empieza a manufacturar obras maestras. Es increible su progresión de una película a otra.
EL EXILIO EN LONDRES
Después de “El beso del asesino”, Alex singer, presenta a Kubrick al que sería su productor en sus siguientes proyectos y con el que formaría una simbiosis perfecta, se trataba de James B. Harris. Juntos se embarcarían en el proyecto más ambicioso del director, “Atraco perfecto”. La película era una adaptación de la novela de Lionel White. La cinta era tan prometedora que entró a producirla la United Artist, la productora que fundaron Douglas Fairbanks y Charles Chaplin.
Atraco perfecto sigue la idea de planificar el robo de guante blanco más magistral, en el que nada puede fallar y todo tiene que esta medido al milímetro. Pero a partir de ahí, Kubrick rompe la baraja. Cambia la trama de la novela para introducir a una mujer aprobechada que tratará quitar tajada.
La estructura rasgada, no es innovadora, puesto que los flashbacks ya estaban inventados y las elipses también se habían utilizado para estructuras circulares en películas। El ejemplo más sonada hasta entonces, en ese ejercicio de la estructura rasgada era el de “Ciudadano Kane” del gran Orson Welles. Pero ninguno como hasta entonces lograba conllevar y conciliar la trama completamente con este recurso, como lo hizo Kubrick. Se produce una línea visual entre el género de estructura rasgada, que comienza en Welles, … y que por admiración de su trabajo continúa Kubrick, pero no se detiene en kubrick, porque Quentin Tarantino, declarado admirador de Stanley Kubric, coge el testigo e intenta liar la madeja en su “Reservoir dogs”, y la verdad es que no desmerece. Tarantino hace un giño a su maestro en “Reservoir dogs” , haciendo aparecer Atraco perfecto en los títulos de crédito.
EL SENDERO DE LA GLORIA
Aquí comienza el sendero de la gloria para Kubrick, paradojas aparte, lo he hecho coincidir con el título de su próximo proyecto. No es que Atraco perfecto fuese una mala película, pero es que era la primera y única de calidad de una prolífica carrera que aún estaba en entredicho. No se puede juzgar a alguien por un único trabajo. Porque con “Senderos de gloria” se doctoró. Aunó a público y crítica, siendo una película durísima. El joven Kubrick de catorce años había leido una novela que estaba en el escritorio de su padre, se trataba de “Paths of glory” (Senderos de gloria) de Humphrey Cobb, se trataba de una novela antiblicista que causo mella en el director y que quería llevar a toda costa a la gran pantalla. El problema era que por aquel entonces ninguna productora quería películas de ese corte. Pensaban que el público agradece las pelícuas agradables y con final felíz. Además, había que tener en cuenta la posible censura en Francia y los paises a los que estaba ligada con tratados. Cuando Kubrick tenía ya perdida toda esperanza, se le apareció un ángel custodio, era nada más y nada menos que Kirk Douglas. Douglas siempre ha sido un hombre comprometido, de principios y con mano de hierro. Todo el mundo conoce su faceta de estrella de hollywood, pero muy poca gente sabe que era un productor arriesgado, preocupado por dotar a sus películas de un contenido social। Infringió innumerables veces las normas del “Maccarthysmo”, y se pasó la “Lista negra” de la caza de brujas por el forro, no obstante, él era hijo de emigrantes rusos. Kubrick sabía que la película no iba a proporcionar un un céntimo, pero pensó que era una historia digna de contar. Para sobornar a las seguidoras de Douglas, Kubrick le pide a Douglas que salga con el torso desnudo al principio de la película y este prohibió al director hacer una escena donde una ejecución se suspende en el último minuto, resultaría demasiado desagradable para la época. Con todo, Douglas y Kubrick ha sido la mejor relación que ha tenido el director con ningún otro actor. La extravagancia de Kubrick impedía que pudiese trabajar en más de un proyecto con la misma estrella, esto sólo pasó con Douglas, y porque en ese momento Douglas tenía más peso en la industria que él. Luego repetirían en Espartaco. Pero hay referencias al trato de Kubrick con sus actores que son, en algún caso, hasta de bejación. Esto os lo contaré más adelante.
Es evidente que con senderos de gloria, Kubrick ya era un director de relevancia, lo que hace que se le abran las puertas. Comienza un trabajo con Marlon Brando, “El rostro impenetrable”, Kubrick se implicó mucho en el proyecto porque se trataba de un proyecto en el que podía explotar sus posibilidades. Se trataba de un western atípico con muchos factores psicológicos. Lo que no pudo evitar, fue el enorme carácter de Brando, que lo echó, porque quería ser él el que hiciera de director de la película.
Kira Douglas aprobechó la circunstancia para reclamar los servicios de Kubrick al frente de Espartaco, una nueva producción que iba a producir. Douglas no estaba contento con los servicios de Anthony Mann. Después de que Kubrick cogiera las riendas, la universal descansó al ver que era un director capaz y que la fiera de Douglas se apaciguaba por momentos. Espartaco fue un éxito brutal de taquilla que encumbró la carrera de Kubrick. Fue la película de mayor recaudación del 1960.
Bueno, continuaremos en otra ocasión, que se va haciendo un poco largo…  

jueves, 27 de agosto de 2009

CASINO


Esta es la historia de los tejemanejes de tapadillo y en la penumbra que se producen en los grandes casinos de Las Vegas. Como historia de Scorsese, es una historia de desengaños, desengaños con el dinero, con las mujeres, con el poder..., etcétera.
Scorsese ya nos tiene habituados a esta trama en la que se produce un ascenso fulgurante y una caida estrepitosa produciendo en la historia una especie de bajada a los infiernos. Este declive es clave para la redención del personaje, el que se pueda redimir, porque Martin no deja títere con cabeza. Ja, ja.
La elección de los actores fue fácil y natural। Scorsese no tenía que plantearse nada a la hora de hacerse con su actor fetiche (De Niro). Robert De Niro cumple con la papel con solvencia, pero se me antoja un poco distante. Quizás haya sido una indicación de Scorsese para contrastar con el carácter violento del personaje de Joe Pesci, que tuvo más manga ancha para desfasar, y la verdad, lo bordó. Pesci nació para ser mafioso, un auténtico padrino, pero sin modales, honor ni ceremonias que seguramente censuraría. Sería un mafioso de verbo directo, acción contundente y no necesariamente leal a su palabra. Joe Pesci construye un personaje detestable, pero con diabólica e inteligente atracción. Al final, ese tipo acaba por enamorarnos. Porque él hace las cosas por nosotros, esas cosas que queremos hacer y no podemos. Cargarnos a alguien, robar una joyería, no hacer cola en los restaurantes, pegar palizas todos los días y decir que eres el puto amo. Por eso el personaje tiene una irresistible erótica que nos magnetiza. Y Pesci supo adivinarlo en uno de los nuestros, pero aquí, en Casino, lecoge el puntillo justo para construir un personaje memorable.


Capítulo aparte merece Sharon Stone, que pareciendome una actriz bastante mediocre, en esta película ofrece muestras de una gran mejoría, y que si es dirigida convenientemente, no es una inversión a fondo vacío. Aquí borda el papel de putita caliente y buscona que organiza su vida en relación al dinero y al lujo, pero que se enamora desgraciadamente del tipo equivocado, un chulo de putas y traficante de poca importancia.
La verdad es que es una película de verdaderos excesos, es la prolongación y exageración de “Uno de los nuestros”. Quizás “Uno de los nuestros” tenía a Ray Liota, que siempre ha sido más frio y apagado.
Como curiosidad, decir que es la película que tiene el record de tacos inferidos por minuto de toda la hitoria del cine। Scorsese va más allá en el lenguaje de la mafia, ya no hay moral, no hay normas. Los mafiosos de las vegas son groseros y no tienen educación, les basta con tener un arma o a Joe Pesci, que en esta cinta está hecho un perro de presa. La verdad es que considero que pese a la duración del metraje, se hace más llevadera que Uno de los nuestros. Pienso que es más divertida, más montaña rusa. En cambio, sostengo que Uno de los nuestros es una obra más sobria, más completa.

domingo, 9 de agosto de 2009

LA EXTRAÑA PAREJA


Esta es la historia de un sucio y rastrero elemento que vive como los cerdos y se junta a un neurótico calzonazos que desea organizarle la vida. La extraña pareja es la adaptación de una obra de teatro a la gran pantalla con texto de Neil Simons y dirigida por Gene Sacks. Conviene indicar que el estreno de la obra de teatro fue llevado a cabo ni más ni menos que Mike Nichols, para que os hagais una idea, el director del graduado, película comentada en este blog anteriormente y que está clasificada dentro de las diez mejores películas de la historia según la AFI (Instituto americano de cine).

La comedia tiene un comienzo portentoso, aunque decae al final en el ritmo narrativo nos ofrece unas situaciones tan hilarantes que merece la pena colocarla en unas de las 50 mejores comedias del cine. El duelo interpretativo de dos titanes de la comedia universal, Jack Lemon y Walther Matthau, que en esta película se muestran como amigos antagonistas, vamos como en casi todas las ocasiones que actuan juntos, es memorable.

Esta comedia funcionó tan bién que ha tenido tres continuaciones. Ahora es habitual ver contiunuaciones de comedias estúpidas por doquier, pero en aquella época era impensable. Sólo el afecto del público hacia estos dos grandes actores y que era una comedia de gran acabado obro la hazaña

martes, 4 de agosto de 2009

HISTORIA DEL CINE PARA NEÓFITOS_2.0

El cine mudo

El cine pudo desenvolverse gracias a la aparición de las productoras independientes, para vender los productos empezaron a aparecer en los títulos de crédito los actores y se comenzó a formar lo que se denomina el starsystem.
La industria se trasladó a principios de los años 20 a california, donde muchos de esos nuevos productores habían construido sus estudios. Thomas Harper Ince, inventó la descentralizacion de las unidades, con lo que un एकुइपोpodía estar haciendo escenas de varias películas simultaneamente. Esto produjo una explosión brutal en la explotación del cine como negocio de mercado, ... y siguió siendo rentable hasta nuestros días. Uno de estos productores,
se os hará conocido, por que ya lo mencioné cuando hablé del crepúsculo de los dioses de Billy Wilder. Se trata de Cecil B. De Mille, la gente lo conoce por los diez mandamientos de Charlton Heston.

El cine en sus principios mudos es recordado en norte america por las películas románticas de Valentino, pero sobre todo por el Slapstick, género que aunaba comedia y acrobacias, de la que sus mayores representantes son: Buster Keaton, Charles Chaplin
y Harold Lloyd. En la temática de aventuras, con su célebre robin hood destaca Douglas Fairbanks.


En europa, no había infraestructura suficiente para hacer una industria fuerte que compitiese. Sin embargo algo grande se está gestando en Alemania “expresionismo alemán”, que mezclaba las técnicas teatrales clásicas y ambientes lúgubres y opresivos.
“El gabinete del doctor Caligari” de Robert Wiene, El Golem (1920), de Paul Wegener y Henrik Galeen, Nosferatu, el vampiro (1922), de F. W. Murnau, y Metrópolis (1927) de Fritz Lang, que trata de una sociedad robótica controlada por un gran poder
industrial en la que los obreros están reducidos a la condición de esclavos.
En Rusia, las películas de este periodo mostraban la reciente historia soviética con una fuerza, realismo y visión que era la antítesis del espíritu introspectivo alemán। Los dos principales directores soviéticos, Serguéi Mijáilovich Eisenstein य Vsiévolod Ilariónovich Pudovkin, recibieron una fuerte influencia de la obra de Griffith, sobre todo de Intolerancia y su montaje, aspecto del nuevo arte que analizaron en detalle, formularon teorías, depuraron y aplicaron hasta conseguir los más brillantes logros en este campo de la historia del cine, con la concatenación rápida de tomas separadas de gran fuerza visual capaces de dejar una fuerte impresión en el espectador।
En Francia estaba el gran Georges Méliès (1861-1938), pionero cinematográfico y director de cine francés, nacido en el seno de una rica familia de fabricantes de zapatos. Estudió en París y en Londres, donde aprendió más juegos de magia que comercio,
antes de incorporarse a la empresa familiar. Poco después compró el teatro Robert Houdin de París para presentar espectáculos de magia e ilusionismo.
En 1895 Méliès asistió a una de las primeras exhibiciones de Antoine Lumière. Percibió de inmediato las posibilidades de la nueva técnica, y así, mientras los operadores de Lumière recorrían el mundo en busca de nuevas imágenes documentales, Méliès
concebía el cine como una fábrica de ilusiones. Adquirió un proyector en Londres y creó su propia productora, la Star Film, nombre fortuito sin conexión alguna con los significados universales que ambas palabras llegarían a adquirir. En su casa de
Montreuil, cerca de París, construyó el primer estudio cinematográfico; transformó su teatro en una sala de cine; se hizo director, productor, guionista, escenógrafo y actor ocasional y, entre 1896 y 1914, realizó 503 "viajes a través de lo imposible",
hechizantes películas de extraordinaria belleza poética y misterio. Su primer largometraje fue L'Affaire Dreyfus (El caso Dreyfus, 1899), en la que mostraba su preocupación por la realidad política, tras la que ganaría el reconocimiento universal por
Viaje a la luna (1902), obra maestra del trucaje fotográfico y la innovación técnica. Desafortunadamente, Méliès fue incapaz de competir con las grandes productoras nacientes y se arruinó en la I Guerra Mundial, con lo que sus pertenencias se destruyeron
o se vendieron. Después de la guerra era un hombre olvidado, que tuvo que recurrir a la venta de pasteles para sobrevivir. Antes de su muerte en un asilo, Henri Langlois, creador de la cinemateca francesa en 1934, salvó la mayoría de las películas de
Méliès, que habían sobrevivido milagrosamente, y supervisó su restauración. D.W. Griffith dijo de Méliès "le debo todo".
Bueno, otro día hablaremos de la irrupción del cine sonoro.

lunes, 3 de agosto de 2009

PLATOON

Oliver Stone, el aclamado guionista de el precio del poder, debuta con esta cinta cargada de su experiencia personal como soldado de Vietnam y su buen hacer visual como director de cine. Muchos dicen que es el mejor trabajo del director hasta la fecha, yo diría que afirmar esto es un poco arriesgado. Platoon es parte de una trilogía, la famosamente denominada “Trilogía de la guerra de Vietnam” con factura de Stone, y pertenece al cuarteto de películas más representativas del tema en sí junto a “Apocalypse now”, “El cazador” y “La chaqueta metálica” (Ya comentada en este blog anteriormente). ¿Hay otras?, sí, pero de la misma forma hay muchas mujeres en un pub y siempre miramos a las mismas.
La elección del casting ha sido clave y de muy buena factura. William Dafoe y Tom Berenguer rayan a una altura sobresaliente, y bueno, charlie Sheen, desempeña el papel de pringado novato a la perfeción.
Stone nos presenta varios retratos psicológicos que atienden a la sin razón de la guerra, el infierno mismo del que no pueden salir. Tenemos a Tom Berenguer, el lider nato en situaciones complicadas. Este hombre se desemvuelve de maravilla en aquel ambiente para el que había nacido, no aguanta vivir con la civilización, es arísco e irascible. Es una persona que no tiene ley ni principios, en su vida ha hecho mella la barbarie de una cruenta guerra que no deja clara la línea divisoria entre los amigos y los enemigos.
William Dafoe interpreta a su antagoníasta, el teniente Elías. El teniente Elías se rige por el código ético, lo considera primordial para poder diferenciarse de los animales, porque sabe que allí por donde van crean caos, desolación y muerte. Este va a ser un personaje revulsivo para Charlie Sheen, que emprenderá una cruzada contra el teniente Burns (Tom Berenguer). Burns representará entonces la imposibilidad de la razón, hay ciertas líneas que es mejor no cruzar porque no sabemos si el diablo nos espera dentro de nosotros mismos.
Esta película, al igual que sus hermanas, pretenden ser un clamor antibelicista mostrando los horrores de la guerra. Esta, la primera de las tres, se centra en los soldados que son engañados para luchar por su patria, por unos valores inexistentes y en la mayoría de los casos o pierden el alma en el intento o se vuelven completamente insensibles, haciendo hombres de hormigón que no volverán a creer en este mundo.